Técnica Pianística - Parte 1

Al tratar este tema de la Técnica me extiendo un poco más allá del ámbito exclusivo del jazz, con el propósito de trabajar sobre este aspecto que es clave para interpretar en el piano, ya sea en el género de la música clásica o del jazz.

Sin duda, cuando se inicia el estudio del piano, o de cualquier otro instrumento, la técnica se convierte en un punto fundamental. Recordemos que al igual que un atleta que inicia su entrenamiento con estiramientos, nosotros como instrumentistas iniciamos nuestra práctica con un calentamiento previo a la rutina de estudio.

Cuando pienso en Técnica, lo que viene a mi mente es la historia del gran pianista húngaro del período romántico -Franz Liszt- de quien se decía que podía estar sentado frente al piano por más de cinco horas estudiando únicamente técnica.

Hoy día aquella rutina pasa a ser sólo un mito, pues el tiempo de práctica tiende a reducirse cada vez más. Sin embargo, pienso que la constancia de dedicar un período razonable de práctica bien enfocada a un punto específico -en este caso el técnico- es la clave para alcanzar nuestros objetivos.

Con este propósito, hoy quiero compartir con ustedes tres ejercicios con los cuales frecuentemente empiezo mi calentamiento. En el primero utilizo los cinco dedos en su orden mano derecha y mano izquierda (primeras cinco notas de una escala mayor). En el segundo ejercicio, utilizo terceras que frecuentemente se ven no sólo en el jazz, sino también en el blues y por supuesto en la música clásica. Y por ultimo, el ejercicio de arpegios que es fundamental a la hora de improvisar, pues nos permite crear frases con sentido completo.

La idea general de los tres ejercicios es interpretarlos de manera natural y relajada, utilizando el metrónomo para subir poco a poco la velocidad, y con una dinámica entre mezzo-forte y forte, en articulación legato y staccato. De igual manera, hago énfasis especial en cambiar los relieves para que la mano naturalmente se acostumbre a interpretar y reconocer distintas tonalidades, y de esta forma aumentar la destreza técnica en ambas manos.

En el video y la partitura (clic aquí) podrán ampliar estas ideas, que estoy seguro les serán muy útiles en su rutina de estudio.
Leer más…

Clases Online de Jazz Piano

En este video conocerás cómo puedes aprender Jazz desde la comodidad de tu casa. Para ampliar información sobre horarios disponibles, costos y material adicional puedes escribir a info@pabloschlesinger.com 



Por medio de videoconferencia en Skype (servicio gratuito de llamadas en internet), Pablo Schlesinger ofrece clases online individuales -en español e inglés-. Los temas de las clases incluyen: - Teoría del jazz aplicada al teclado - Arreglo de standards y piezas del repertorio popular - Improvisación - Formatos del piano solo y trío - Armonía Jazz - Arreglos.

Para tomar clases online de jazz piano, contáctanos a través del formulario que aparece en la parte superior derecha de este blog, o puedes escribir a info@pabloschlesinger.com para ampliar información sobre horarios disponibles, costos y material adicional.  Leer más…

Improvisación en el jazz – Imitación

La imitación es otro tema interesante en la improvisación, y el cual está tratado en detalle en el curso “Improvisación en 3 pasos”. Como siempre, les dejo la partitura (clic aquí) y el video donde se aclara mejor esta técnica.

La imitación -un concepto que realmente pertenece al mundo de la composición- se empezó a utilizar en la música clásica, y ha trascendido hasta nuestros días pasando por la música contemporánea, el pop, el rock, y por supuesto el jazz, me atrevería a decir que ha estado presente en todos los géneros musicales.

En su definición más sencilla, la imitación significa la repetición rítmica o melódica de un motivo corto, creado para dar unidad y coherencia dentro de una frase musical. Es importante recalcar que lo que queremos crear con este motivo es recordación, ya sea para nosotros como intérpretes, o para el oyente. Por lo tanto, para que esta idea tenga su completo significado, es importante siempre añadir silencio después de que el motivo ha sido interpretado.

De esta manera, al repetir el motivo que se ha creado e intercalarlo con silencio, se empieza a crear “ansiedad en la música”, lo que los norteamericanos llaman “momentum”, esto quiere decir que el motivo se empieza a desarrollar y va tomando fuerza hasta culminar con una idea contrastante.

En la partitura que les dejo, pueden apreciar que el motivo que trabajé simplemente es una nota ornamentada, que se va desarrollando angularmente al pasar por las distintas armonías. Después, llega a la primera casilla donde una idea contrastante en corcheas interviene, y luego se vuelve al punto de inicio. De esta forma se crea otro motivo, o se inicia con el original para dirigirlo a otra idea contrastante (Casilla 2). Se pueden crear cientos de motivos distintos, esto es simplemente cuestión de creatividad del intérprete.

Lo interesante de la imitación es que brinda mucha fuerza al solo, y como pueden observar es fácil y práctico de implementar a la hora de improvisar.

Más sobre Improvisación Leer más…

Improvisación en el jazz -Contornos-

En esta segunda parte del tema de improvisación, voy a contarles sobre un recurso que podrán ver con mas detalle en el curso “Improvisación en 3 pasos”. Se trata de una aplicación original de los contornos que he desarrollado con el tiempo para la enseñanza de la improvisación. Los contornos, musicalmente hablando, hacen referencia a una curva melódica creada, con notas largas principalmente, dentro de una progresión armónica. Los recursos que propongo con los contornos son los siguientes:

1) Adiestrar notas del arpegio (en blancas o redondas) sobre la armonía del momento, para que sean la base de la improvisación, y de esta manera crear un arco melódico que puede ser ornamentado rítmica o melódicamente.
2) Convertir cada nota del contorno en el inicio o el final de una frase musical con sentido completo.

La finalidad entonces, es que al aplicar estos dos recursos, y utilizando las notas principales del acorde del momento 1,3,5 7 con su cualidad respectiva, se creen contornos angulares que lleven a una nota climática (nota melódica más alta dentro de la frase musical). Estos pueden ser ornamentados rítmica o melódicamente. De igual manera, utilizando la corchea en swing -célula rítmica básica’, puedo iniciar frases que se inician en 1,3,5 ó 7 del acorde con su cualidad respectiva, llegando de igual manera a 1,3,5 ó 7 de la siguiente nota larga, en el contorno melódico previamente hecho.

En esta lección me he salido del esquema de los temas de jazz, con el fin de responder a las personas que me han preguntado sobre si el método del curso “Improvisación en 3 pasos” es efectivo para aprender a improvisar en cualquier género musical. Aquí lo explico sobre el bolero Cómo Fue, de Ernesto Duarte. Aprovecharemos este espacio para aclarar cualquier duda que surja con respecto al curso.

En el video y la partitura (clic aquí) podrán ampliar estas ideas, que espero sean un aporte para enriquecer sus interpretaciones.

Más sobre Improvisación Leer más…

Improvisación en el jazz - ornamentación melódica

Agradezco a todos los amigos de Jazz y Mucho Más por sus valiosos comentarios y sugerencias sobre los distintos temas del jazz; desde este espacio trataré de abordar cada uno de ellos. Hoy me alegra contarles que a a raíz de todas estas inquietudes y de los temas propuestos en el Blog, surgió la idea de reunir mi experiencia en el tema de la improvisación para crear un curso que hoy tengo el gusto de compartir con ustedes. Dando clic aquí pueden enterarse un poco más de qué se trata.

Como una pequeña introducción a este curso, en esta oportunidad voy a comentarles sobre un aspecto importante para iniciarse en el camino de la improvisación: la ornamentación melódica.

En términos sencillos, lo que se busca con la ornamentación melódica es desligarnos de un ‘mapa’ de una melodía puesto en una partitura, para poder interpretar de forma espontánea. Y para lograr esto, una técnica fundamental en la ornamentación melódica es el doble cromatismo.

El doble cromatismo ha sido utilizado con frecuencia por intérpretes de todas las épocas del jazz. En si, la técnica es muy sencilla, como lo pueden apreciar en la partitura. Se trata, de anteponer dos notas que van por medio tono hacia la nota de llegada, ya sea de manera ascendente o descendente. La idea general es interpretar de manera rápida, natural y relajada los dos semitonos, haciendo énfasis en la nota de llegada para destacar así la sonoridad recién creada. .

El objetivo entonces, es crear un ‘equilibrio musical’ entre las notas de la melodía que el intérprete ornamenta libremente (generalmente aquellas de larga duración, blancas o redondas), y las demás notas que se encuentran en la melodía original (negras o corcheas), que normalmente no se ornamentan.

En el video y la partitura (clic aquí) podrán ampliar estas ideas, que espero les sirvan para incorporar como nuevos elementos en sus interpretaciones.


Más sobre Improvisación Leer más…

Voces Cerradas (4 way close) Parte 2

En esta segunda parte del tema de voces cerradas o “4 way close”, quiero comentar sobre dos ideas importantes que también pueden apreciar en el video y en la respectiva partitura (clic aquí).


La primera, es la adición de acordes de aproximación como técnica para armonizar acordes en bloque. La segunda, es la inclusión de tensiones dentro de un voicing cerrado. En la primera, la idea en general de los acordes de aproximación es de armonizar aquellas notas que no pertenecen al acorde de séptima, es decir, aquellas notas que no son 1,3,5 ó 7 del acorde respectivo, y que se mueven a una nota del acorde por movimiento conjunto, ya sea diatónico o cromático.

El acorde puede ser armonizado de varias maneras, con diversos tipos de técnicas. He escogido una de estas, que se ajusta muy bien a la melodía de nuestro standard “Witchcraft”, el cual habíamos armonizado en la primera parte del tema voces cerradas. La técnica se desarrolla utilizando acordes disminuidos. Recordemos que estos acordes están formados por terceras menores superpuestas. Como nota interesante, los grados 2,4 y 6 de una escala, pueden ser armonizados con esta técnica, dejando entonces las notas 1,3,5 y 7 para ser armonizadas con notas del acorde únicamente. El objetivo entonces, es formar un acorde disminuido desde la nota de la melodía hacia abajo, que es entonces la 2ª, 4ª ó 6ª de esta, sobre la armonía del momento, haciendo que todas las notas del acorde cerrado se vayan, en movimiento paralelo, al siguiente acorde.

La segunda idea importante, es que se puede crear una sonoridad mas “llamativa” utilizando tensiones por dentro del acorde, remplazando las notas del acorde. Como norma general estoy utilizando la 9ª en vez de la 1ª en acordes mayores, menores y dominantes, y en un par de oportunidades, la tensión 13 en vez de la 5ª, en acordes dominantes.

Por ultimo, continúo interpretando la técnica del pianista George Shearing, mencionada en la primera parte. En esta mi mano derecha interpreta cuatro notas, mientras que la izquierda dobla a octava la melodía con el pulgar.

Les dejo la partitura y el video para aclarar las ideas presentadas, y para que incorporen estos nuevos elementos en sus interpretaciones.

Mas sobre jazz Leer más…

Voces Cerradas (4 way close) Parte 1

En esta lección quiero comentarles sobre una manera de armonizar que le da al jazz una sonoridad inconfundible. Lo norteamericanos lo denominan “4 way close”, o en español “Voces cerradas”. Es un concepto que se utiliza mucho en arreglo para armonizar secciones de vientos. Duke Ellington, Benny Goodman y Glenn Miller, entre otros, lo utilizaban en los años 30’s y 40’s, con mucho acierto, para arreglar en Big-Band.

En realidad, la teoría de las voces cerradas es muy sencilla. Básicamente se trata de armonizar en bloque desde la melodía hacia abajo, utilizando las notas del acorde en estricto orden, con la posibilidad de introducir una tensión; generalmente la novena del acorde. La idea es que el voicing no sobrepase la octava y se interprete como una sonoridad compacta, destacando de esta forma la melodía.

En los años 50’s, el pianista inglés George Shearing sumo a esta idea la inclusión de la melodía octavada abajo, logrando que la melodía quedara literalmente “armonizada por dentro”. Como pueden apreciar en el video, para el tema de hoy he escogido el standard clásico “Witchcraft”, que ejemplifica un tipo de melodía muy apta para ser armonizada con voces cerradas, pues se encuentra formada en un gran porcentaje por grado conjunto, es decir, la melodía que armonizo -que corresponde a la sección A de la canción-, no contiene prácticamente salto, sin embargo esto no es un requisito indispensable.

En cuanto a la manera de interpretar, utilizaremos la corchea en swing o atresillada, junto con la técnica de Shearing antes mencionada: mi mano derecha interpreta cuatro notas, mientras que la izquierda dobla a octava la melodía.

Grandes pianistas del jazz, de todos los tiempos, han adoptado estas ideas para incorporarlas tanto en solo como en trío: Bill Evans, Nat King Cole, Jimmy Rowles, Kenny Barron y Diana Krall, entre otros.

Les dejo la partitura(clic aquí) para aclarar las ideas presentadas, y para que incorporen estos nuevos elementos en sus interpretaciones.

Mas sobre jazz Leer más…