viernes, 26 de octubre de 2018

Los 3 modos claves en armonía



En esta lección voy a tratar un aspecto importante en el estudio de la armonía contemporánea: los 3 modos claves que todo músico debe conocer.

Aunque ya hemos tratado este tema en otras oportunidades, existen aún dudas en cuanto a cómo formar los modos, cuáles son las notas que se evitan y cómo se pueden construir voicings espectaculares con ellos.

Iniciamos con el modo jónico. Este modo lleva el primer grado de la tonalidad, su esqueleto armónico está formado por 1, 3,5 y 7, triada mayor con séptima mayor. Después de su esqueleto armónico podemos formar 3 extensiones posibles, añadiendo notas por intervalos de terceras diatónicas. Recordemos que toda extensión que se choque contra una nota del esqueleto armónico no podrá ser considerada tensión, por lo tanto en el caso de jónico vamos a obtener Te9 y T13, la 4ta se choca con la 3ra, y por este motivo será evitada como tensión posible en el jónico

El segundo modo es el dórico. Es el 2do grado derivado de una escala mayor, recordemos que su esqueleto armónico es 1, b3, 5, b7, y la nota a evitar en este modo es la 6ª. Siguiendo la misma práctica realizada con el modo anterior vemos que sus extensiones posibles nos forman dos tensiones: la 9ª y la 11.

El tercer modo es el Mixolidio. Es el 5to. grado derivado de una escala mayor. Su esqueleto armónico está construido por: 1, 3, 5 y b7. El modo Mixolidio es utilizado por todos los acordes dominantes. En este caso, por ser el dominante principal de la tonalidad (G7 en C), tendrá extensiones a intervalos de 3ª después de la 7ª Menor. Siguiendo la misma norma que hemos utilizado para los anteriores, el modo Mixolidio podrá tener tensiones 9 y 13 respectivamente, dejando la 4ª la cual se chocará en un intervalo de b9 contra la 3ª, esto la imposibilita para ser considerada como tensión.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas claves sobre los 3 modos más importantes que todo músico debe conocer.
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martes, 24 de julio de 2018

3 secretos claves al improvisar



En esta lección vamos a tratar un tema de interés tanto para músicos contemporáneos como para compositores e intérpretes.

Cómo improvisar y crear frases con sentido completo utilizando 3 secretos que aplican los grandes improvisadores y los músicos profesionales.

El primer secreto al improvisar es utilizar, en un alto porcentaje, los arpegios de triada y de 7ma en la construcción de líneas melódicas sobre un cifrado respectivo, e interpretarlos con la figura o célula rítmica de la improvisación: la corchea.

En este caso, la idea es interpretar 8 corcheas por compás y llegar a una nota estable en la siguiente armonía (1,3,5,7) del acorde respectivo.

El segundo secreto es interpretar con buen swing feel, es decir con la corchea atresillada, de la cual hemos hablado en otras lecciones sobre improvisación. El objetivo es interpretar cada grupo de corcheas siempre en legato atresillado, y ´relajado´.

El tercer secreto es ornamentar la línea melódica con dos de las ocho o más técnicas disponibles de ornamentación melódica. Para esta oportunidad he escogido las dos más importantes que, en mi opinión, funcionan muy bien en la improvisación: el doble cromatismo y la appogiatura o ciaccatura clásica.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre cómo improvisar de una manera práctica y efectiva, aplicando estos 3 secretos que manejan muy bien los grandes improvisadores del jazz y la música contemporánea.
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viernes, 30 de marzo de 2018

La forma más rápida de fortalecer dedos



En esta lección trabajaremos el fortalecimiento y la independencia de los dedos con un ejercicio genial que aprendí hace muchos años con uno de mis profesores de la escuela rusa: el uso de las terceras en la interpretación de acordes mayores.

Este ejercicio, de técnica de mano inmóvil, es muy eficaz no sólo para fortalecer cada dedo de la mano sino también para crear una correcta posición de arco en el teclado.

El ejercicio está enfocado en interpretar, mediante intervalos de tercera con notas iguales en ambas manos, triadas mayores, menores, aumentadas y disminuidas, siguiendo dos articulaciones: staccato y legato.

Iniciamos interpretando en staccato en negras con metrónomo estable, aunque olvidé usarlo en esta lección, la idea es manejar un tempo confortable, negra entre 60-80 para pasar más adelante a 4 subdivisiones en legato: negra, corchea, tresillo y semicorchea.

La clave del ejercicio es controlar cada tercera en ambas manos de manera exacta, únicamente con la fuerza de cada dedo y, poco a poco, realizar subdivisión rítmica pasando de una a otra subdivisión sin detenerse.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre el fortalecimiento de dedos utilizando terceras mayores y menores en cada mano en la interpretación de 4 tipos de acordes de triada. Un excelente ejercicio en la una rutina diaria del pianista contemporáneo.
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martes, 20 de junio de 2017

Un truco ´secreto´ al improvisar


Para esta lección retomo el tema de la improvisación, esta vez con un ´truco´ de pensamiento poco conocido, usando tan sólo cuatro notas.

Para desarrollar esta idea tomamos la triada de cada uno de los acordes junto con la 9ª respectiva. Dejamos a un lado el pensamiento en escalas y modos y vamos a crear cuatro acordes con sus respectivas inversiones.

Tomamos la tonalidad menor, en este caso Do menor (Cm), y vamos a utilizar el acorde de tónica y el segundo grado con su cualidad respectiva, el IIm7(b5), para desarrollar líneas con sentido completo.

Con los cuatro acordes de triada y 9ª añadida vamos a crear cuatro contornos o más, si así lo preferimos, para utilizarlos en la creación de frases de ocho corcheas, y crear de esta manera frases con sentido completo.

Recordemos que todas las formaciones de líneas extractadas deben ser interpretadas con la corchea atresillada y en swing feel.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre cómo improvisar de una manera no convencional, para lograr líneas y frases perfectas en tu discurso musical.
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jueves, 11 de mayo de 2017

Escalas menores: el método ¨no convencional¨ de practicarlas



Para esta lección retomo la técnica pianística con la pregunta de uno de nuestros suscriptores: cómo practicar escalas menores?

Comparto aquí la manera como practico las escalas en técnica pianística. Es la forma que podría llamarse -no usual o no convencional- de hacerlo, pero que a mi parecer aporta inmensos beneficios.

Primero, tomamos la escala con su digitación apropiada y la estudiamos lentamente en movimiento paralelo (como norma, ambas manos subiendo) una octava hasta dominar bien la digitación.

En el segundo paso, repetimos el proceso anterior e incorporamos el metrónomo para tener total dominio en tiempo. Escogemos un tiempo estable que podamos controlar.

Para el tercer paso, tomamos la escala y separamos las manos una octava. Iniciamos en movimiento contrario partiendo desde los pulgares en cada mano a una octava de distancia. De esta manera creamos control del movimiento contrario e independencia, puntos clave en el dominio de cualquier escala.

Desde el paso cuarto iniciamos la práctica de la escala en ritmos para tener control sobre ella, en las 4 subdivisiones más importantes que contiene la música en general: negras (1 octava), corcheas (2 octavas), tresillos(3 octavas), semicorcheas(4 octavas). Realizo el proceso con cada subdivisión devolviéndome al punto de inicio en paralelo descendente.

Al interpretar la subdivisión de semicorcheas incluyo por último movimiento contrario, y de esta manera controlo toda la escala, los tres tipos de movimientos: paralelo ascendente, paralelo descendente y contrario, y las 4 subdivisiones más importantes: negras, corcheas, tresillos y semicorcheas.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre cómo practicar escalas de una manera no convencional, la cual aporta grandes beneficios y una destreza única en el teclado.
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jueves, 6 de abril de 2017

2 Vueltas Armónicas Fenomenales



En el estudio de la armonía contemporánea hay un tema esencial que debe dominar todo músico contemporáneo, se trata de las vueltas armónicas.

Las vueltas armónicas o turnarounds son pequeñas progresiones armónicas, por lo general de uno a dos compases, que sirven para encadenar el final de una sección musical o de la pieza, de esta forma:

1) El final de una sección con su comienzo (Ej: final de la sección A y que vuelve a repetirse). 2) El final de una sección con el comienzo de otra (Ej: final de la sección A pero que continúa a la sección B). 3) El final de la pieza con el inicio de los solos improvisados ( Ej: final de la sección C de una pieza A-B-C, que comunica o encadena a la sección A para el inicio de los solos).

Para esta lección hemos tomado la tonalidad de F mayor (Fa mayor) y vamos a realizar 2 vueltas armónicas para enlazarla la tonalidad del inicio con su primer grado de tónica.

Hemos tomado para nuestros ejemplos la progresión más utilizada para crear vueltas armónicas: I6- VI7- IImin7- V7sus (F6-D7-Gmin7-C7sus), como una primera opción, y la segunda vuelta armónica con más cromatismo: I6- bIII7- IImin7- SubV7 (F6-Ab7-Gmin7-Gb7).

Las dos progresiones vuelven al acorde de tónica F6. Como norma, al realizar la progresión debemos tener en cuenta que todos los acordes que vamos a utilizar funcionen contra la melodía, ya sea que estos representen tensiones o notas del acorde correspondientes al cifrado.

Por último, las vueltas armónicas llevan ritmos armónicos dependiendo de la métrica. Comúnmente, se encuentran ritmos armónicos de blancas o negras en métricas binarias o, de blanca con puntillo (métrica de vals), o también negra con puntillo (métrica de vals), etc.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre cómo crear 2 vueltas armónicas fenomenales para ser utilizadas al final o entre secciones de una pieza. Un tema que todo buen músico contemporáneo necesita dominar.
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miércoles, 1 de marzo de 2017

Blues Menor – Mis 3 Voicings Favoritos



En esta lección te voy a mostrar cómo crear buenos voicings para aplicarlos sobre el blues en menor. Aprenderás a construir voicings cerrados dentro de una octava, para mano izquierda, con tensión: los que se utilizan profesionalmente.

El primer punto a tener en cuenta en la formación de un buen voicing para mano izquierda, es la creación de tonos guías, es decir siempre construir la 3ª y 7ª, o en su defecto si el acorde es con 6ª, la 3ª y la 6ª respectiva.

Importante recordar que en menor el primer grado o acorde de tónica siempre es Imin6 y el 4º grado siempre es IVmin6, por lo tanto en nuestros voicings en blues en menor la 6ª mayor siempre remplaza la 7ª. Entonces, nuestro primer acorde será en la tonalidad de C menor: Cmin6 (con La natural) y el 4º Fmin6 (con re natural respectivamente).

Además, como norma, los voicings que vamos a trabajar no deben bajarse del C (Do) 3. La idea con el registro es no crear choques armónicos contra el bajo, entonces la nota más baja del voicings no debe quedar más abajo de C3.

Tenemos 3 tipos de voicings en menor: el de tónica o Imin6, el del 4º grado o IVmin6, y el V grado dominante que llevará tensiones b13 y b9 a juicio del intérprete. Un cuarto tipo de voicing es el bVI7, en este caso el Ab7 que tendrá tensiones 9 y 13 respectivamente, y bajará medio tono al dominante G7.

En la partitura(clic aquí) y el video podrás ver en más detalle las posibilidades para la creación de voicings de mano izquierda para blues en menor, de una manera sencilla y práctica utilizando los voicings cerrados, empleados profesionalmente en blues.
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