jueves, 8 de septiembre de 2016

3 ideas 'clave' para armonizar acordes menores



En el estudio del arreglo musical es fundamental el empleo de armonizaciones profesionales para crear coherencia armónica, buena densidad y el máximo color armónico en acordes menores.

La primera idea para armonizar es el uso de spreads. Los spreads, como hemos visto en otras ocasiones, son acordes esparcidos que contiene la raíz en el bajo, la inclusión de los tonos guías después de éste y la melodía. Si el spread comprende más partes se puede incluir tensión disponible, ya sea como nota interior o en la melodía.

En esta oportunidad, nuestros ejemplos están en la tonalidad de Sol menor (Gm), y hemos tomado el acorde de tónica en menor –como norma es un acorde que tiene 6ª natural–. En nuestros spreads tendremos la formación 1,6,b3 y melodía, lo cual brinda muy buenas formaciones de acordes.

Una segunda armonización se basa en acordes cerrados que están dentro de una octava. En nuestros ejemplos tendremos acordes cerrados de 4 notas que contienen los tonos guías, la quinta y la melodía, o tensión disponible. En la partitura y el video podremos ver dos formaciones claves para acordes cerrados en menor.

En la tercera idea, para lograr una buena armonización en acordes menores, he tomado dos disposiciones abiertas muy llamativas que se utilizan en el arreglo de vientos, en la Big Band, y por supuesto, en el acompañamiento de solistas. Se trata de las formaciones en Drop, en las cuales una de las notas del acorde cerrado, en estricto orden, se baja una octava para crear mayor densidad y tesitura con notas en la melodía que se encuentran arriba del G(sol), segunda línea en clave de sol.

La partitura (clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre cómo crear 3 armonizaciones –clave– para acordes menores. Un tema que todo buen músico debe conocer.
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miércoles, 25 de mayo de 2016

3 ideas -esenciales- para armonizar melodías de Pop



En esta lección vamos a trabajar un tema muy útil en la armonización de melodías, y que además es de interés tanto para músicos contemporáneos como para arreglistas e intérpretes: Cómo armonizar melodías diatónicas en Pop.

Vamos a tomar como ejemplo los primeros dos compases de la melodía del clásico de Disney -Aladino-, la famosa película para cine.

La primera idea esencial es dejar la melodía como está, es decir interpretarla en unisono y sólo armonizarla con un acorde en el punto de llegada. Aplicaremos un acorde muy interesante, el triádico sin séptima. De esta forma, vamos a utilizar la tensión más importante al armonizar: la 9 junto con la raíz y la quinta del acorde, lo cual brinda soporte al acorde.

La segunda idea clave al armonizar es la utilización de intervalos, es decir vamos a tomar la melodía, y en determinados puntos armonizamos por debajo con otra nota. Sigo utilizando mi armonización respectiva en el punto de llegada.

La tercera idea, al armonizar nuestra melodía de Aladino, será utilizar un acorde de soporte de toda la línea. En este punto, y de acuerdo al registro de la melodía, podremos utilizar acordes tríadicos, como los que aplicamos anteriormente, los cuales incluyen la 9ª y pueden estar en inversión.

Finalmente, para aclarar todo lo antes visto, en el video y partitura adjunta(clic aquí) tenemos las tres ideas aplicadas para armonizar de una manera profesional y novedosa melodías de pop.
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martes, 29 de marzo de 2016

3 errores ‘fatales’ al armonizar acordes mayores



En esta lección vamos a tratar un tema primordial en la armonización de melodías, y que es de interés tanto para músicos contemporáneos como para arreglistas e intérpretes.

Cómo armonizar bien acordes mayores, dejando de lado 3 errores fatales que observo una y otra vez en músicos aficionados y estudiantes.

El primer error es interpretar o armonizar un acorde mayor en el registro no adecuado. Es común para músicos no armónicos (no guitarristas o no pianistas) la tendencia errónea de interpretar el acorde en fundamental debajo del C3 en el teclado, formando intervalos de 3ras que automáticamente producen choques contra el bajo del acorde.

Para resolver este problema utilizamos intervalos más abiertos: 5as, 7as y 10as, los cuales brindan buen soporte y coherencia armónica.

El segundo error, es no identificar el cifrado del acorde respectivo (ej: Fmaj7) musicalmente completo. Es decir, al armonizar no utilizar los tonos guías en: 3ª y 7ª que correspondan al mismo. Esto es clave en la creación de buenas disposiciones de acordes (voicings).

El tercer error, es no utilizar tensiones disponibles dentro del voicing para armonizar. Por ejemplo, en el caso de los acordes mayores o maj7, la tensión más importante a utilizar es la novena (9ª), que provee de color armónico indispensable para creación de sonoridades profesionales.

Una vez resueltos los errores 1 y 2, se debe adicionar la tensión 9; la más importante de todas, y crear así disposiciones llamativas y profesionales que realzan la melodía que se quiere armonizar.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre cómo evitar estos 3 errores, muchas veces –involuntarios–, al armonizar acordes mayores.
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lunes, 29 de febrero de 2016

Improvisación: Cómo crear una frase perfecta…



En esta lección comparto un concepto interesante para improvisar. Está basado en un porcentaje alto de combinaciones, y equilibrio entre arpegio y grado conjunto, lo cual da lugar a una frase con sentido musical completo.

A mi parecer, este es el pensamiento clave para improvisar, dejando de lado el aburrido aprendizaje de la improvisación mediante escalas y modos. De esta manera se controlan, una a una, las notas que interpretas en formaciones de 4+4, creando contornos creativos y melódicos, y finalmente frases completas.

Para demostrar este sistema he tomado una frase en tonalidad menor que se mueve dentro de los acordes más utilizados en progresiones en menor: Imin6-IImin7(b5) y V7(b9). Escogí la tonalidad de re menor (Dm) como vehículo de interpretación en la formación de esta frase perfecta con sentido completo.

Un punto importante es que toda la frase será interpretada en la célula rítmica básica: la corchea en swing. Iniciamos con el acorde de Dmin6 utilizando el arpegio desde la raíz y agregando cromatismo en tiempo débil, saltamos a la 5ª del acorde y nos movemos en salto al comienzo y luego en grado conjunto en las tres últimas notas.

Pasamos luego a Emin7(5) e interpretamos el arpegio desde la 7ª menor e incluimos la 4ª de paso entre dos notas del acorde. Por último, en el mismo compás utilizamos A7 con su arpegio desde la 5ª interpretando de manera descendente 5,3, tb9 y b7, y saltando en el siguiente compás a la raíz de re menor. Finalizamos en corchea en la tercera menor, dejando la frase abierta.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre improvisación y creación de frases con sentido musical completo, utilizando sólo arpegios y algunas notas en grado conjunto, en combinaciones musicales.
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jueves, 28 de enero de 2016

Armonía Contemporánea - Dominantes Secundarios



Para esta lección vamos a tratar uno de los conceptos de la armonía más importantes que todo músico contemporáneo debe conocer: los Dominantes Secundarios. Estos dominantes tienen que ver con la armonía diatónica y también con el inicio del cromatismo.

Los Dominantes Secundarios son un grupo único de acordes. Dentro de una tonalidad mayor son sólo cinco, se mueven por 4tas. ascendentes o 5tas. descendentes, y se forman siempre a partir de una raíz diatónica, sobre la tonalidad del momento.

Todo Dominante Secundario requiere como mínimo de una nota no diatónica para formar su esqueleto armónico de dominante. En esta lección inicial veremos la formación de cada Dominante Secundario con sus notas no diatónicas sobre cada esqueleto armónico.

La partitura(clic aquí) y el video complementan las ideas sobre este grupo de acordes clave en armonía contemporánea.
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lunes, 30 de noviembre de 2015

Como ‘estirar’ y fortalecer los dedos en el teclado



Este ejercicio lo aprendí con uno de mis profesores de técnica en el conservatorio, cuando estudiaba música clásica.

El ejercicio se enfoca en los dedos fuertes: el pulgar y el índice de cada mano, y luego en los dedos débiles: 4º y 5º de cada mano. Lo interesante de estas dos partes del ejercicio es que fortalecen cada par de dedos que se ejercita, es decir el pulgar con el índice y el anular con el meñique, creando independencia al practicar en movimiento contrario cuando se juntan..

Para obtener el mayor beneficio de este ejercicio, debe realizarse lentamente al comienzo, con mano relajada, hombros abajo y manos separadas. Luego, se debe realizar lentamente a dos manos, y trabajar la subdivisión rítmica con la ayuda del metrónomo.

En este punto se pueden trabajar dos subdivisiones que funcionan muy bien: al comienzo las corcheas, y más adelante, con una buena práctica de cada par de dedos de cada mano, trabajar la subdivisión del tresillo.

Como siempre, la posición de arco es clave para la buena ejecución del mismo.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre estiramiento y fortalecimiento de los dedos 1 y 2, y 4 y 5 respectivamente. Un ejercicio clave en la una rutina diaria del pianista contemporáneo.
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martes, 30 de junio de 2015

Cuál es la diferencia fundamental entre un una escala y un modo?



A simple vista no observamos cambio alguno, sin embargo cada uno representa un concepto musical diferente. Por una parte la escala, como sabemos, es un término musical con el cual se define una sucesión de notas que van por grado conjunto, es decir, que entre estas no hay salto..

En la música occidental, la escala está ligada en una alta proporción, a la tonalidad o armadura en la cual se encuentra. Contribuye a la creación de la melodía y se estudia frecuentemente tanto en música clásica como en música contemporánea de una manera técnico-práctica, en diversidad de instrumentos.

Por su parte, aunque el modo representa la misma estructura lineal por grado conjunto, contiene en su interior un esqueleto armónico que, por así decirlo, lo representa (1,3,5,7), y forma un concepto vertical en música contemporánea.

Este esqueleto armónico está totalmente ligado a su cifrado respectivo, y de igual forma el cifrado lo está al modo. Entonces, si en nuestra partitura como ejemplo tenemos la escala de C Mayor, también se hará referencia al modo jónico, si es tomado su esqueleto armónico que se encuentra dentro de él. A este esqueleto armónico, confluirán las demás notas como extensiones y posibles tensiones.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre la diferencia fundamental entre un modo y una escala.
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