Armonía Contemporánea - Dominantes Secundarios

Para esta lección vamos a tratar uno de los conceptos de la armonía más importantes que todo músico contemporáneo debe conocer: los Dominantes Secundarios. Estos dominantes tienen que ver con la armonía diatónica y también con el inicio del cromatismo.

Los Dominantes Secundarios son un grupo único de acordes. Dentro de una tonalidad mayor son sólo cinco, se mueven por 4tas. ascendentes o 5tas. descendentes, y se forman siempre a partir de una raíz diatónica, sobre la tonalidad del momento.

Todo Dominante Secundario requiere como mínimo de una nota no diatónica para formar su esqueleto armónico de dominante. En esta lección inicial veremos la formación de cada Dominante Secundario con sus notas no diatónicas sobre cada esqueleto armónico.

La partitura(clic aquí) y el video complementan las ideas sobre este grupo de acordes clave en armonía contemporánea. Leer más…

Como ‘estirar’ y fortalecer los dedos en el teclado

Este ejercicio lo aprendí con uno de mis profesores de técnica en el conservatorio, cuando estudiaba música clásica.

El ejercicio se enfoca en los dedos fuertes: el pulgar y el índice de cada mano, y luego en los dedos débiles: 4º y 5º de cada mano. Lo interesante de estas dos partes del ejercicio es que fortalecen cada par de dedos que se ejercita, es decir el pulgar con el índice y el anular con el meñique, creando independencia al practicar en movimiento contrario cuando se juntan..

Para obtener el mayor beneficio de este ejercicio, debe realizarse lentamente al comienzo, con mano relajada, hombros abajo y manos separadas. Luego, se debe realizar lentamente a dos manos, y trabajar la subdivisión rítmica con la ayuda del metrónomo.

En este punto se pueden trabajar dos subdivisiones que funcionan muy bien: al comienzo las corcheas, y más adelante, con una buena práctica de cada par de dedos de cada mano, trabajar la subdivisión del tresillo.

Como siempre, la posición de arco es clave para la buena ejecución del mismo.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre estiramiento y fortalecimiento de los dedos 1 y 2, y 4 y 5 respectivamente. Un ejercicio clave en la una rutina diaria del pianista contemporáneo. Leer más…

Cuál es la diferencia fundamental entre un una escala y un modo?

A simple vista no observamos cambio alguno, sin embargo cada uno representa un concepto musical diferente. Por una parte la escala, como sabemos, es un término musical con el cual se define una sucesión de notas que van por grado conjunto, es decir, que entre estas no hay salto..

En la música occidental, la escala está ligada en una alta proporción, a la tonalidad o armadura en la cual se encuentra. Contribuye a la creación de la melodía y se estudia frecuentemente tanto en música clásica como en música contemporánea de una manera técnico-práctica, en diversidad de instrumentos.

Por su parte, aunque el modo representa la misma estructura lineal por grado conjunto, contiene en su interior un esqueleto armónico que, por así decirlo, lo representa (1,3,5,7), y forma un concepto vertical en música contemporánea.

Este esqueleto armónico está totalmente ligado a su cifrado respectivo, y de igual forma el cifrado lo está al modo. Entonces, si en nuestra partitura como ejemplo tenemos la escala de C Mayor, también se hará referencia al modo jónico, si es tomado su esqueleto armónico que se encuentra dentro de él. A este esqueleto armónico, confluirán las demás notas como extensiones y posibles tensiones.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre la diferencia fundamental entre un modo y una escala. Leer más…

Cómo crear una versión profesional de una melodía

Qué hacer cuando tenemos una melodía estática y queremos realizar una versión profesional de ella? En esta lección, tomando el clásico ‘All The Things You Are’, muestro dos técnicas para lograr este cambio: la ornamentación melódica y la ornamentación rítmica..

Existe gran variedad de temas de comedia musical, jazz, bossa nova y boleros, entre otros, que contienen melodías con repetición melódica. El objetivo estilístico principal es apartarnos de las notas repetitivas. Para lograrlo, primero, crearemos un contorno melódico que identifique la melodía, y luego aplicamos ornamentación rítmica con el uso de la anticipación. Iniciaremos tomando la melodía en cada compás sin repetir, sosteniendo cada nota y agregando silencio.

La segunda idea clave es la inclusión de la anticipación hacia el tiempo fuerte del siguiente compás, con el uso de la corchea. En este punto ya hemos logrado el objetivo estilístico deseado.

Para finalizar, añadiremos de forma esporádica ornamentación melódica con el uso de la appogiatura y el doble cromatismo; técnicas muy utilizadas en ornamentación melódica.

Mis acordes de acompañamiento estarán realizando el soporte armónico debajo del cifrado, lo cual aporta ese ‘sabor’ y movimiento a la interpretación.

El resultado es una sonoridad mucho más estilística, profesional y personalizada del tema.

La partitura(clic aquí) y el video aclaran estas ideas sobre ornamentación melódica y rítmica; temas clave al interpretar música contemporánea. Leer más…

Ornamentacion melódica. La appogiatura (Ciaccatura clásica)

En esta lección comparto un tema muy importante en la improvisación. Se trata de la ornamentación melódica y el uso de la appogiatura al interpretar canciones y temas en música contemporánea.

La appogiatura es una técnica de ornamentación en la cual el intérprete literalmente ‘resbala’ una nota que se encuentra arriba o debajo de la nota de llegada, de manera rápida y por así decirlo ‘descuidada’. El resultado es una sonoridad ‘sucia’ muy personal y característica del blues y del jazz.

Para mostrar la aplicación de esta técnica he tomado el memorable bolero ‘Acércate más’.

Nos enfocamos en iniciar la frase o un motivo musical utilizando la appogiatura. La idea en general es interpretar relajadamente, de forma muy natural y creando la sonoridad ‘sucia’ característica del blues y del jazz, la cual funciona también en el bolero, la canción latinoamericana y el bossa nova, entre otros.

La partitura(clic aquí)> y el video aclaran estas ideas sobre la appogiatura o ciccatura clásica; una técnica clave en improvisación. Leer más…

3 ejercicios esenciales para el dominio de escalas cromáticas

En esta lección vamos a tratar otro aspecto clave de la técnica pianística: las escalas cromáticas.

Se interpretan no sólo en pasajes de música clásica (romántica particularmente), sino también en música contemporánea para lograr independencia de manos, fortalecer la buena posición de arco y especialmente en la improvisación.

El primer punto es interpretar la escala en movimiento paralelo. La idea es correlacionar la digitación propia de cada mano, y de esta forma acentuar la posición de arco.

Después de tener la escala -en dedos- se debe interpretar la escala en movimiento contrario. De esta forma crearemos independencia en ambas manos, pues cada una interpretará no sólo notas distintas sino relieves distintos.

Un tercer punto, que recomiendo a mis alumnos, es interpretar la escala por fórmula, es decir iniciar con movimiento paralelo, pasar a contrario e intercalar estos dos en el teclado para luego regresar al comienzo.

En cada punto es muy efectivo trabajar también la subdivisión rítmica. Es decir, interpretar la escala en las 4 subdivisiones rítmicas más importantes: negras, corcheas, tresillos y semicorcheas.

La partitura(clic aquí)> y el video aclaran estas ideas sobre la interpretación y el dominio de la escala cromática; una importante destreza para el pianista contemporáneo.

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La técnica más importante en arreglo musical

En esta lección trato un tema esencial en el estudio del arreglo musical: el empleo de la técnica del unísono.

Sin duda, el unísono es una herramienta importante no sólo en el arreglo musical sino en general en la música contemporánea. Es la técnica más utilizada en la música universal, y la más efectiva en proyección melódica. Se ha utilizado en música clásica desde los primeros tiempos hasta nuestros días, y prácticamente todo arreglo musical la contiene..

Otra cualidad es su versatilidad y el contexto dramático que produce al ser utilizada a la octava o a la doble octava. El unísono a la octava dobla la fortaleza de la línea melódica, proyectándola una octava ya sea arriba o debajo de la línea original. Esta técnica se utiliza con regularidad en los formatos de 5 y 6 vientos, y en la Big Band es muy frecuente entre secciones.

El unísono a la doble octava crea una triple proyección cuando se utiliza con tres instrumentos, y al ser utilizado en dos instrumentos crea un contexto dramático único, pues tiende a brindar un aire melancólico o de -añoranza- sobre la línea melódica.

En esta lección hemos tomado el clásico de Armando Manzanero ‘Contigo aprendí’ para explicar los tres conceptos mencionados de esta importante técnica.

La partitura(clic aquí)> y el video aclaran estas ideas de arreglo musical, claves para el músico contemporáneo. Leer más…