3 ejercicios esenciales para el dominio de escalas cromáticas

En esta lección vamos a tratar otro aspecto clave de la técnica pianística: las escalas cromáticas.

Se interpretan no sólo en pasajes de música clásica (romántica particularmente), sino también en música contemporánea para lograr independencia de manos, fortalecer la buena posición de arco y especialmente en la improvisación.

El primer punto es interpretar la escala en movimiento paralelo. La idea es correlacionar la digitación propia de cada mano, y de esta forma acentuar la posición de arco.

Después de tener la escala -en dedos- se debe interpretar la escala en movimiento contrario. De esta forma crearemos independencia en ambas manos, pues cada una interpretará no sólo notas distintas sino relieves distintos.

Un tercer punto, que recomiendo a mis alumnos, es interpretar la escala por fórmula, es decir iniciar con movimiento paralelo, pasar a contrario e intercalar estos dos en el teclado para luego regresar al comienzo.

En cada punto es muy efectivo trabajar también la subdivisión rítmica. Es decir, interpretar la escala en las 4 subdivisiones rítmicas más importantes: negras, corcheas, tresillos y semicorcheas.

La partitura(clic aquí)> y el video aclaran estas ideas sobre la interpretación y el dominio de la escala cromática; una importante destreza para el pianista contemporáneo.

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La técnica más importante en arreglo musical

En esta lección trato un tema esencial en el estudio del arreglo musical: el empleo de la técnica del unísono.

Sin duda, el unísono es una herramienta importante no sólo en el arreglo musical sino en general en la música contemporánea. Es la técnica más utilizada en la música universal, y la más efectiva en proyección melódica. Se ha utilizado en música clásica desde los primeros tiempos hasta nuestros días, y prácticamente todo arreglo musical la contiene..

Otra cualidad es su versatilidad y el contexto dramático que produce al ser utilizada a la octava o a la doble octava. El unísono a la octava dobla la fortaleza de la línea melódica, proyectándola una octava ya sea arriba o debajo de la línea original. Esta técnica se utiliza con regularidad en los formatos de 5 y 6 vientos, y en la Big Band es muy frecuente entre secciones.

El unísono a la doble octava crea una triple proyección cuando se utiliza con tres instrumentos, y al ser utilizado en dos instrumentos crea un contexto dramático único, pues tiende a brindar un aire melancólico o de -añoranza- sobre la línea melódica.

En esta lección hemos tomado el clásico de Armando Manzanero ‘Contigo aprendí’ para explicar los tres conceptos mencionados de esta importante técnica.

La partitura(clic aquí)> y el video aclaran estas ideas de arreglo musical, claves para el músico contemporáneo. Leer más…

El ejercicio #1 de Fortalecimiento e independencia de dedos

Continuando con el tema de técnica pianística, en esta lección trabajaremos el fortalecimiento y la independencia de los dedos.

Este ejercicio que comparto es del notable compositor y pedagogo húngaro Ernst Von Dohanyi (doñañi). Es fundamental y muy eficaz a la hora de nivelar la fortaleza de los dedos.

El ejercicio se enfoca en los dedos débiles: 4º y 5º en mano izquierda, y 3º y 4º en mano derecha. La clave de un buen ejercicio de técnica pianística como éste, es que mantiene algunos de los dedos oprimidos en cada mano para obtener una independencia óptima, y por otro lado trabaja con los 2 a 3 dedos restantes para crear fortalecimiento.

El ejercicio, como hemos comentado en otras oportunidades, debe realizarse lentamente al comienzo, con mano relajada, hombros abajo y manos separadas para obtener el mayor beneficio. Luego, se debe realizar el ejercicio lentamente a dos manos, y trabajar la subdivisión rítmica con la ayuda del metrónomo. Como siempre, la posición de arco es clave para la buena ejecución del mismo.

La partitura (clic aquí)) y el video aclaran estas ideas sobre la independencia y el fortalecimiento de dedos; un ejercicio clave en la una rutina diaria del pianista contemporáneo. Leer más…

Técnica Pianística: posición de la mano y fortalecimiento de los dedos

En esta lección voy a tratar un aspecto clave en el estudio del piano: la posición correcta ante el teclado y el fortalecimiento de los dedos.

Lo primero, es trabajar la posición de –arco– llamada así porque la mano toma una forma similar a un arco de iglesia gótica. La idea es acentuar esta posición siempre al tocar de una manera natural, mostrando ligeramente los nudillos de los dedos. De esta manera, al interpretar se logra una disposición relajada, a la vez que fortalece la digitación de cada dedo en el teclado.

Como segundo punto se debe considerar mantener la mano perpendicular al teclado, es decir la mano se convierte, por así decirlo, en una extensión del mismo. De esta manera se evitan los molestos dolores de muñeca, del antebrazo y el túnel carpiano causados por mala postura tanto de la mano como del brazo al tocar el instrumento.

Un tercer punto que recomiendo a mis alumnos es mantener la espalda recta siempre, con los hombros abajo y sentarse en el banco del piano desde la mitad hacia adelante, siempre dejando una distancia natural entre el abdomen y el teclado al interpretar.

En esta lección explico un ejercicio de fortalecimiento o también llamado de independencia de mano. Se trata de tomar las 5 primeras notas de una escala mayor, oprimir las teclas en su orden respectivo con cada uno de los dedos y trabajar cada dedo 8 veces en articulación staccato.

Para mejor aprovechamiento de este ejercicio, las dos manos van a estar a dos octavas de distancia, naturalmente dispuestas sobre el teclado, y con las ideas anteriormente expuestas: posición de arco, espalda recta y relajada, hombros abajo y mano perpendicular al teclado.

La partitura (clic aquí)) y el video aclaran estas ideas sobre la correcta posición de mano y el fortalecimiento de dedos; una rutina diaria para el pianista contemporáneo. Leer más…

Gospel piano

En esta lección trabajaremos el concepto básico de la interpretación del Gospel en el piano. He utilizado el clásico himno de Gospel -Nadie Puede Amarme Como Cristo- de Charles Weigle.

Utilizaremos los primeros 8 compases del verso antes del coro para crear la sonoridad auténtica Gospel. Iniciamos con la utilización de triadas para armonizar la melodía que va en la mano derecha. La idea general en nuestra mano derecha es crear diversas triadas de acuerdo a la melodía, teniendo en cuenta la tonalidad. En este caso nos encontramos en C mayor (Do Mayor)..

Dentro de la forma del himno encontramos en general 3 tipos de armonía C, Dmin y G7, dentro de la tonalidad de C mayor nos referimos a I, IImin7 y V7. Formaremos entonces triadas sobre cada una de estas armonías cuando la melodía sea una de las notas de la armonía correspondiente.

En aquellas notas que no pertenezcan a la tonalidad -es decir notas de paso momentáneas-, buscaremos tipos de triadas que sean diatónicas a la tonalidad de la pieza (C mayor). Para la armonización melódica utilizaremos todas las posibilidades del acorde en fundamental y las diversas inversiones que nos brinda cada acorde.

Mi mano izquierda, por otra parte, estará interpretando las raíces de los acordes. Para la creación de una primera sonoridad, que nos brinde fortaleza y coherencia armónica, utilizaremos la raíz y la quinta.

La sonoridad auténtica Gospel utiliza también las octavas en el bajo. Es por eso que la he incluido dentro de esta interpretación. La partitura (clic aquí)) y el video aclaran estas ideas sobre Gospel piano; sin duda un estilo único que debe conocer el pianista contemporáneo. Leer más…

Blues piano

En esta nueva lección comparto el concepto básico de la interpretación del blues rural en el piano. Hablaremos de su forma estructura, voicings de acompañamiento y la improvisación motívica que se deriva de la escala de blues..

Aunque existen variantes de blues relacionadas con el número de compases, en esta ocasión trataremos el Blues Rural en su forma estructurada de 12 compases, escrita en tonalidad mayor y en menor, la cual es una de las más utilizadas en música contemporánea

Dentro de su forma de 12 compases se intercalan 3 tipos de acordes que son la base armónica del blues. Estos se interpretan con cualidad dominante así: I7, IV7 y el V7. En la tonalidad C tendremos: C7, F7 y G7.

Los voicings característicos de éstas armonías o acordes se sitúan en el registro medio del teclado entre Db3 y Db4. Los vocings de blues contienen los tonos guías 3 y b7, los cuales representan la bases armónica para la creación de una buena sonoridad de dominante. Como norma, contienen tensiones en la nota más alta del voicing y también entre los tonos guías. Las tensiones que se utilizan son la 9 y la 13.

Para la creación de motivos cortos en blues se utiliza la escala de blues hexatónica (escala de 6 notas), derivada del 6º grado de la pentatónica mayor con la adición del b5, que es el ‘blue note’ más importante, y el cual le brinda la sonoridad propia del blues negro tan característico de su música.

La partitura (clic aquí)) y el video aclaran estas ideas sobre blues piano; sin duda un concepto clave para el pianista contemporáneo. Leer más…

Salsa Stride- Michel Camilo

En esta lección quiero compartir un acompañamiento genial que utiliza uno de los grandes pianistas de la música contemporánea: Michel Camilo.

Este patrón rítmico, bautizado como Salsa Stride por el pianista norteamericano Alan Farnham, lo utiliza Camilo en composiciones como Caribe, Why not y Blue Bossa, entre otros.

Es un acompañamiento único que mezcla el desplazamiento del Stride clásico de los años 30, junto con el uso de color en los voicings y la inclusión de los ritmos caribeños.

El patrón que mostramos en ésta lección es el básico; uno de los tantos que utiliza Michel Camilo. El patrón se construye utilizando acordes o voicings desplazados en primer tiempo, intercalando y anticipando la 5ª del acorde, y finalizando con la raíz del mismo en cuarto tiempo.

El patrón se relaciona con la clave de salsa 3-2. Junto a éste patrón rítmico Camilo emplea voicings pequeños en el registro del C central (C4): el registro armónico del teclado que se utiliza para armonizar y proveer de color armónico tanto la melodía como la improvisación libre de la mano derecha.

Para esta lección de Salsa Stride he tomado el clásico “All the things you are”. Un punto a tener en cuenta es que esta técnica funciona muy bien en piezas del jazz latino, standards, boleros, bossa-novas, entre otros géneros que contengan como norma un ritmo armónico de blancas y redondas por compás.

La partitura (clic aquí) y el video aclaran las ideas propuestas de ésta técnica de acompañamiento melódico, sin duda uno de los sellos personales más distintivos del pianista Michel Camilo.

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