Salsa Stride- Michel Camilo

En esta lección quiero compartir un acompañamiento genial que utiliza uno de los grandes pianistas de la música contemporánea: Michel Camilo.

Este patrón rítmico, bautizado como Salsa Stride por el pianista norteamericano Alan Farnham, lo utiliza Camilo en composiciones como Caribe, Why not y Blue Bossa, entre otros.

Es un acompañamiento único que mezcla el desplazamiento del Stride clásico de los años 30, junto con el uso de color en los voicings y la inclusión de los ritmos caribeños.

El patrón que mostramos en ésta lección es el básico; uno de los tantos que utiliza Michel Camilo. El patrón se construye utilizando acordes o voicings desplazados en primer tiempo, intercalando y anticipando la 5ª del acorde, y finalizando con la raíz del mismo en cuarto tiempo.

El patrón se relaciona con la clave de salsa 3-2. Junto a éste patrón rítmico Camilo emplea voicings pequeños en el registro del C central (C4): el registro armónico del teclado que se utiliza para armonizar y proveer de color armónico tanto la melodía como la improvisación libre de la mano derecha.

Para esta lección de Salsa Stride he tomado el clásico “All the things you are”. Un punto a tener en cuenta es que esta técnica funciona muy bien en piezas del jazz latino, standards, boleros, bossa-novas, entre otros géneros que contengan como norma un ritmo armónico de blancas y redondas por compás.

La partitura (clic aquí) y el video aclaran las ideas propuestas de ésta técnica de acompañamiento melódico, sin duda uno de los sellos personales más distintivos del pianista Michel Camilo.

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Como tocar en el piano - Arpegios teclas negras

En la lección anterior abordamos el tema de las escalas en teclas negras, ahora veremos los arpegios en teclas negras.

Los arpegios son formaciones de 3 a 4 notas que se disponen comúnmente en salto entre una y otra nota, en orden estricto. En el aprendizaje de la técnica pianística son esenciales para la interpretación de pasajes con acordes arpegiados, melodías y frases musicales en improvisación.

En esta lección veremos los arpegios que comienzan en teclas negras: Db (Re bemol), Eb (Eb bemol), Ab (La bemol), Gb (Sol bemol), y Bb (Si bemol). Los primeros tres arpegios (Db, Eb y Ab) comparten la misma digitación en ambas manos. Los últimos dos, Gb (Sol Bemol) y Bb (Si bemol) tienen inicios con diferentes dedos. El G (Sol bemol) inicia con 5º en la mano izquierda y pulgar en derecha, (digitación similar al arpegio de C mayor), y Bb (Si bemol) inicia con 4º en izquierda.

A diferencia del estudio de las escalas, el primer concepto es iniciar lentamente en paralelo con manos separadas a una octava de distancia. La idea es dominar la digitación en ambas manos desde el primer momento; una destreza esencial del pianista. Más adelante interpretar en varias octavas utilizando subdivisión rítmica..

Es importante trabajar con metrónomo a una octava de distancia entre ambas manos, y mantener siempre buena postura de las manos, hombros abajo y cruce del pulgar adecuado para crear economía de movimiento. Luego, se deben estudiar en diferentes ritmos y con metrónomo con el propósito de controlar los arpegios a un nivel técnico superior.

La partitura (click aquí) y el video refuerzan estos conceptos esenciales para la interpretación de arpegios mayores en teclas; un punto fundamental para comprender como tocar o interpretar en el piano de forma correcta.

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Cómo tocar piano – Escalas en teclas negras

Continuando con el tema del aprendizaje del piano, vamos a profundizar sobre las escalas en teclas negras.

Trabajaremos las escalas que comienzan en teclas negras: Db (Re bemol), Eb (Mi bemol), Gb (Sol bemol), Ab (La bemol), y Bb (Si bemol). Las escalas en teclas negras tienen diferentes digitaciones entre ellas, y su punto en común es que en mano derecha todas comienzan con el segundo dedo (índice). Por el contrario, en mano izquierda todas comienzan con el tercer dedo (corazón), a excepción de Gb (Sol bemol) que comienza con el cuarto dedo (anular).

El concepto que quiero enfatizar es el aprendizaje de las escalas iniciando en movimiento contrario en el registro medio del teclado. El objetivo es crear independencia en ambas manos desde el primer momento; una destreza esencial del pianista. Más adelante interpretar en movimiento paralelo, y finalmente mezclar los dos tipos de movimientos para controlar la interpretación completa de la escala.

De igual manera, es importante trabajar con metrónomo a una octava de distancia entre ambas manos, manteniendo siempre buena postura de las dos manos, hombros abajo y cruce del pulgar adecuado para crear economía de movimiento. Luego, estudiarlas en diferentes ritmos con metrónomo será clave para lograr control de las escalas a un nivel técnico superior.

La partitura (click aquí) y el video correspondiente aclaran estos conceptos esenciales para la interpretación de escalas en teclas negras, así como el desarrollo de independencia entre ambas manos; punto fundamental para comprender como tocar en el piano.

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Cómo interpretar en el piano – Escalas

En esta nueva lección comparto un tema básico y fundamental para la interpretación y el aprendizaje del piano. Se trata de las escalas.

Las escalas son formaciones de 5 a 7 notas que se disponen comúnmente en grado conjunto (es decir sin saltos de una nota a la otra). Dentro del aprendizaje del piano y de la técnica pianística son esenciales para la interpretación de pasajes escalares, melodías y frases musicales en improvisación.

En esta lección trabajaremos las escalas que comienzan en teclas blancas: C(Do), G(Sol), D(Re), A(La), E(Mi), B(Si) y F(F). Las primeras cinco escalas comparten la misma digitación en ambas manos, viéndolas en movimiento contrario. 1, 2, 3, 1, 2, 3, 4 y 5. Las últimas dos: B (Si) y F (Fa) inician con diferentes dedos, como es el caso de B (Si) que inicia con 4º en la mano izquierda, y F (Fa) que finaliza con mano derecha con 4º.

El concepto que quiero enfatizar es el aprendizaje de las escalas iniciando en movimiento contrario en el registro medio del teclado. El objetivo es crear independencia en ambas manos desde el primer momento; una destreza esencial del pianista. Más adelante interpretar en movimiento paralelo, y finalmente mezclar los dos tipos de movimientos para controlar la interpretación completa de la escala.

Es importante trabajar con metrónomo, a una octava de distancia entre ambas manos, mantener siempre buena postura de las dos manos, hombros abajo y cruce del pulgar adecuado para crear economía de movimiento. Más adelante estudiarlas en diferentes ritmos con metrónomo, será clave en el control de las escalas a un nivel técnico superior.

La partitura (click aquí) y el video correspondiente aclaran estos conceptos esenciales para la interpretación de escalas y el desarrollo de independencia entre ambas manos; punto fundamental para comprender como tocar o interpretar en el piano.

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Spread Voicings (Acordes/Voces Esparcidas)

Este interesante concepto de armonización se utiliza particularmente en arreglo musical en los formatos para vientos, Big Band y solo piano.

Los acordes o voicings en Spread son estructuras acórdicas conformadas desde 3 hasta 6 ó 7 partes que contienen la raíz en la nota más baja, y cuyo registro puede abarcar desde una octava hasta 2 octavas y media o más. El objetivo de su utilización es:

1) Crear buen soporte armónico debajo del solista.

2) Armonizar melodías percutidas o sostenidas en bloque.

3) Crear cortes completos armonizados junto con la sección rítmica.

El primer tipo de construcción de Spreads al que nos referiremos es el que está conformado por 4 partes.

La primera parte corresponde a la melodía, ésta puede contener notas del acorde o tensiones. La segunda concierne al bajo de acuerdo a la tesitura y/o registro deseado, y corresponde a la raíz del acorde del momento. La tercera y cuarta parte la conforman los tonos guías (3 y 7 ó 3 y 6) del acorde respectivo, esto le brinda al Spread la fortaleza armónica necesaria para soportar notas del acorde, tonos guías y posibles tensiones que se encuentren en la melodía.

La idea general es crear Spreads que contengan buen soporte armónico y brinden color y dramatismo al ser interpretados cuando hay tensión o nota del acorde en melodía.

Un punto importante a tener en cuenta es el espaciamiento entre las voces. Como norma, entre la raíz y la segunda nota debe existir como máximo una 10ª de distancia. Entre cada una de las voces restantes los intervalos que normalmente se forman son las 4tas, 5tas y 3ras. La distancia máxima para no dejar “vacíos” entre las partes es de una 6ª mayor.

La partitura (clic aquí) y el video correspondiente complementan este concepto esencial en la construcción de Spreads voicings.

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Spread Voicings (Acordes/Voces Esparcidas)

Este interesante concepto de armonización se utiliza particularmente en arreglo musical en los formatos para vientos, Big Band y solo piano.

Los acordes o voicings en Spread son estructuras acórdicas conformadas desde 3 hasta 6 ó 7 partes que contienen la raíz en la nota más baja, y cuyo registro puede abarcar desde una octava hasta 2 octavas y media o más. El objetivo de su utilización es:

1) Crear buen soporte armónico debajo del solista.

2) Armonizar melodías percutidas o sostenidas en bloque.

3) Crear cortes completos armonizados junto con la sección rítmica.

El primer tipo de construcción de Spreads al que nos referiremos es el que está conformado por 4 partes.

La primera parte corresponde a la melodía, ésta puede contener notas del acorde o tensiones. La segunda concierne al bajo de acuerdo a la tesitura y/o registro deseado, y corresponde a la raíz del acorde del momento. La tercera y cuarta parte la conforman los tonos guías (3 y 7 ó 3 y 6) del acorde respectivo, esto le brinda al Spread la fortaleza armónica necesaria para soportar notas del acorde, tonos guías y posibles tensiones que se encuentren en la melodía.

La idea general es crear Spreads que contengan buen soporte armónico y brinden color y dramatismo al ser interpretados cuando hay tensión o nota del acorde en melodía.

Un punto importante a tener en cuenta es el espaciamiento entre las voces. Como norma, entre la raíz y la segunda nota debe existir como máximo una 10ª de distancia. Entre cada una de las voces restantes los intervalos que normalmente se forman son las 4tas, 5tas y 3ras. La distancia máxima para no dejar “vacíos” entre las partes es de una 6ª mayor.

La partitura (clic aquí) y el video correspondiente complementan este concepto esencial en la construcción de Spreads voicings.

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