Técnica Pianística - Parte 3 (Arpegios)

Para esta tercera parte sobre técnica pianística, reservé uno de los ejercicios que más beneficios me ha dejado en el estudio del piano: los Arpegios.

En mi opinión, la razón por la cual se hace tanto énfasis en el estudio de los arpegios es porque contienen dos elementos fundamentales que se observan en la literatura musical de cualquier período. El primero: forman frases musicales muy bien definidas y claras, esto hace que se encuentren en diversas disposiciones dentro de la vasta literatura pianística. En segundo lugar, técnicamente añaden a la mano del intérprete la habilidad de expandirla, encogerla ágilmente y fortalecer el paso del pulgar a mayor distancia por debajo del tercer y cuarto dedo, convirtiéndose entonces, en un recurso técnico indispensable a la hora de interpretar.

Muchos compositores han utilizado arpegios en sus composiciones, desde Bach, Scarlatti, siguiendo con Clementi, Mozart, Beethoven y Brahms hasta aquellos que lograron desarrollarlos a gran escala como Chopin, Liszt, Rachmaninoff y Scriabin, por citar sólo algunos ejemplos. La literatura, no sólo del piano sino de muchos otros instrumentos, está repleta de arpegios que hacen parte tanto del mundo clásico como del jazz.

Recuerdo que cuando empecé a estudiarlos, ya hace varios años, sólo interpretaba la primera y segunda octava, y me sentía satisfecho y hasta creía que los había dominado. Lejos estaba de aquella meta, que en realidad me ha tomado un buen tiempo y aún continuo puliendo.

La práctica de los arpegios la realizo siempre en mi rutina diaria de calentamiento y estudio. En la partitura (clic aquí), propongo la misma rutina de estudio que mi profesora rusa me indicó cuando comenzaba el estudio del piano: interpretar los arpegios por octavas, y de igual manera en ritmos. Una octava en negras, dos en corcheas, tres en tresillos y cuatro en semicorcheas. Indispensable es la articulación en Legato y el uso del metrónomo para ir subiendo la velocidad. Aunque el ejercicio se encuentra escrito en Do en la partitura, como alternativa se pueden interpretar arpegios en teclas blancas iniciando con el ciclo: Si,Mi,La,Re,Sol,Do y finalizando con Fa.

El objetivo general del ejercicio es interpretar de manera natural y relajada, a un tiempo estable. Observen también el video que les aclarara ideas de interpretación y digitación, que estoy seguro les servirá de guía en el estudio de los arpegios.
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Tecnica Pianistica – Swing Feel- Parte 2

En esta segunda parte sobre técnica pianística, voy a compartir un ejercicio clave para desarrollar la articulación necesaria al momento de interpretar jazz, o lo que en el arte de la improvisación se denomina interpretación con “swing”.

Aunque la palabra “swing” carece de significado para al intérprete que no ha tenido contacto previo con el jazz, en realidad el “swing” -o articulación atresillada de la corchea-, se considera vital en este género. Esto lo explicó mejor Louis Armstrong cuando a la pregunta de qué es el “swing”, sin titubear respondió: “simplemente lo es todo”.

Dentro de la historia del jazz se ha tomado como punto de partida de la interpretación con “swing” a Jelly ”Roll” Morton -quien se consideraba asimismo como el inventor del jazz-. Morton, empezó a improvisar dentro del estilo del Ragtime con incipientes líneas melódicas en corcheas, que no se escuchaban rectas, sino que por el contrario contenían una ligera acentuación en la segunda corchea del grupo, lo cual les brindaba un aire “atresillado“, es decir que se escuchaban acentuadas en el tiempo débil, con la adición de una articulación en legato.

Este concepto ha permanecido desde entonces, y hoy día el intérprete de jazz es evaluado, en gran medida, de acuerdo a la forma como interpreta la corchea en swing.

Para los amantes del jazz, que necesitan adquirir o mejorar su “Swing Feel“, comparto este ejercicio que es una especie de Jazz Hanon. Como podrán ver en su partitura y en el video, tengo un motivo de ocho corcheas que interpreto en swing, legato y atresillado. La idea con el ejercicio, es transportarlo a otras tonalidades, siguiendo como norma la misma digitación del comienzo.

Inicio entonces el ejercicio en Do mayor interpretándolo hasta una octava arriba, me devuelvo de la misma manera, y luego paso a Re bemol, y así sucesivamente. Ustedes no tienen que seguir ningún patrón de transposición, simplemente está pensado para realizarlo en diversos relieves del teclado para obtener así una buena articulación en swing feel, en diversas tonalidades.

El objetivo general del ejercicio es interpretar de manera natural y relajada, utilizando el metrónomo para subir poco a poco la velocidad. Por su parte, mi mano izquierda acompaña en primer tiempo, con acordes diatónicos en posición fundamental. Estos acordes no los incluyo en la partitura, pero los pueden ver en la lección de acordes de séptima.

En el video y la partitura (clic aquí) podrán ampliar estas ideas, que les serán muy útiles en su rutina de estudio.
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Técnica Pianística - Parte 1

Al tratar este tema de la Técnica me extiendo un poco más allá del ámbito exclusivo del jazz, con el propósito de trabajar sobre este aspecto que es clave para interpretar en el piano, ya sea en el género de la música clásica o del jazz.

Sin duda, cuando se inicia el estudio del piano, o de cualquier otro instrumento, la técnica se convierte en un punto fundamental. Recordemos que al igual que un atleta que inicia su entrenamiento con estiramientos, nosotros como instrumentistas iniciamos nuestra práctica con un calentamiento previo a la rutina de estudio.

Cuando pienso en Técnica, lo que viene a mi mente es la historia del gran pianista húngaro del período romántico -Franz Liszt- de quien se decía que podía estar sentado frente al piano por más de cinco horas estudiando únicamente técnica.

Hoy día aquella rutina pasa a ser sólo un mito, pues el tiempo de práctica tiende a reducirse cada vez más. Sin embargo, pienso que la constancia de dedicar un período razonable de práctica bien enfocada a un punto específico -en este caso el técnico- es la clave para alcanzar nuestros objetivos.

Con este propósito, hoy quiero compartir con ustedes tres ejercicios con los cuales frecuentemente empiezo mi calentamiento. En el primero utilizo los cinco dedos en su orden mano derecha y mano izquierda (primeras cinco notas de una escala mayor). En el segundo ejercicio, utilizo terceras que frecuentemente se ven no sólo en el jazz, sino también en el blues y por supuesto en la música clásica. Y por ultimo, el ejercicio de arpegios que es fundamental a la hora de improvisar, pues nos permite crear frases con sentido completo.

La idea general de los tres ejercicios es interpretarlos de manera natural y relajada, utilizando el metrónomo para subir poco a poco la velocidad, y con una dinámica entre mezzo-forte y forte, en articulación legato y staccato. De igual manera, hago énfasis especial en cambiar los relieves para que la mano naturalmente se acostumbre a interpretar y reconocer distintas tonalidades, y de esta forma aumentar la destreza técnica en ambas manos.

En el video y la partitura (clic aquí) podrán ampliar estas ideas, que estoy seguro les serán muy útiles en su rutina de estudio.
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Clases Online de Jazz Piano

En este video conocerás cómo puedes aprender Jazz desde la comodidad de tu casa. Para ampliar información sobre horarios disponibles, costos y material adicional puedes escribir a info@pabloschlesinger.com 



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Improvisación en el jazz – Imitación

La imitación es otro tema interesante en la improvisación, y el cual está tratado en detalle en el curso “Improvisación en 3 pasos”. Como siempre, les dejo la partitura (clic aquí) y el video donde se aclara mejor esta técnica.

La imitación -un concepto que realmente pertenece al mundo de la composición- se empezó a utilizar en la música clásica, y ha trascendido hasta nuestros días pasando por la música contemporánea, el pop, el rock, y por supuesto el jazz, me atrevería a decir que ha estado presente en todos los géneros musicales.

En su definición más sencilla, la imitación significa la repetición rítmica o melódica de un motivo corto, creado para dar unidad y coherencia dentro de una frase musical. Es importante recalcar que lo que queremos crear con este motivo es recordación, ya sea para nosotros como intérpretes, o para el oyente. Por lo tanto, para que esta idea tenga su completo significado, es importante siempre añadir silencio después de que el motivo ha sido interpretado.

De esta manera, al repetir el motivo que se ha creado e intercalarlo con silencio, se empieza a crear “ansiedad en la música”, lo que los norteamericanos llaman “momentum”, esto quiere decir que el motivo se empieza a desarrollar y va tomando fuerza hasta culminar con una idea contrastante.

En la partitura que les dejo, pueden apreciar que el motivo que trabajé simplemente es una nota ornamentada, que se va desarrollando angularmente al pasar por las distintas armonías. Después, llega a la primera casilla donde una idea contrastante en corcheas interviene, y luego se vuelve al punto de inicio. De esta forma se crea otro motivo, o se inicia con el original para dirigirlo a otra idea contrastante (Casilla 2). Se pueden crear cientos de motivos distintos, esto es simplemente cuestión de creatividad del intérprete.

Lo interesante de la imitación es que brinda mucha fuerza al solo, y como pueden observar es fácil y práctico de implementar a la hora de improvisar.

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Improvisación en el jazz -Contornos-

En esta segunda parte del tema de improvisación, voy a contarles sobre un recurso que podrán ver con mas detalle en el curso “Improvisación en 3 pasos”. Se trata de una aplicación original de los contornos que he desarrollado con el tiempo para la enseñanza de la improvisación. Los contornos, musicalmente hablando, hacen referencia a una curva melódica creada, con notas largas principalmente, dentro de una progresión armónica. Los recursos que propongo con los contornos son los siguientes:

1) Adiestrar notas del arpegio (en blancas o redondas) sobre la armonía del momento, para que sean la base de la improvisación, y de esta manera crear un arco melódico que puede ser ornamentado rítmica o melódicamente.
2) Convertir cada nota del contorno en el inicio o el final de una frase musical con sentido completo.

La finalidad entonces, es que al aplicar estos dos recursos, y utilizando las notas principales del acorde del momento 1,3,5 7 con su cualidad respectiva, se creen contornos angulares que lleven a una nota climática (nota melódica más alta dentro de la frase musical). Estos pueden ser ornamentados rítmica o melódicamente. De igual manera, utilizando la corchea en swing -célula rítmica básica’, puedo iniciar frases que se inician en 1,3,5 ó 7 del acorde con su cualidad respectiva, llegando de igual manera a 1,3,5 ó 7 de la siguiente nota larga, en el contorno melódico previamente hecho.

En esta lección me he salido del esquema de los temas de jazz, con el fin de responder a las personas que me han preguntado sobre si el método del curso “Improvisación en 3 pasos” es efectivo para aprender a improvisar en cualquier género musical. Aquí lo explico sobre el bolero Cómo Fue, de Ernesto Duarte. Aprovecharemos este espacio para aclarar cualquier duda que surja con respecto al curso.

En el video y la partitura (clic aquí) podrán ampliar estas ideas, que espero sean un aporte para enriquecer sus interpretaciones.

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Improvisación en el jazz - ornamentación melódica

Agradezco a todos los amigos de Jazz y Mucho Más por sus valiosos comentarios y sugerencias sobre los distintos temas del jazz; desde este espacio trataré de abordar cada uno de ellos. Hoy me alegra contarles que a a raíz de todas estas inquietudes y de los temas propuestos en el Blog, surgió la idea de reunir mi experiencia en el tema de la improvisación para crear un curso que hoy tengo el gusto de compartir con ustedes. Dando clic aquí pueden enterarse un poco más de qué se trata.

Como una pequeña introducción a este curso, en esta oportunidad voy a comentarles sobre un aspecto importante para iniciarse en el camino de la improvisación: la ornamentación melódica.

En términos sencillos, lo que se busca con la ornamentación melódica es desligarnos de un ‘mapa’ de una melodía puesto en una partitura, para poder interpretar de forma espontánea. Y para lograr esto, una técnica fundamental en la ornamentación melódica es el doble cromatismo.

El doble cromatismo ha sido utilizado con frecuencia por intérpretes de todas las épocas del jazz. En si, la técnica es muy sencilla, como lo pueden apreciar en la partitura. Se trata, de anteponer dos notas que van por medio tono hacia la nota de llegada, ya sea de manera ascendente o descendente. La idea general es interpretar de manera rápida, natural y relajada los dos semitonos, haciendo énfasis en la nota de llegada para destacar así la sonoridad recién creada. .

El objetivo entonces, es crear un ‘equilibrio musical’ entre las notas de la melodía que el intérprete ornamenta libremente (generalmente aquellas de larga duración, blancas o redondas), y las demás notas que se encuentran en la melodía original (negras o corcheas), que normalmente no se ornamentan.

En el video y la partitura (clic aquí) podrán ampliar estas ideas, que espero les sirvan para incorporar como nuevos elementos en sus interpretaciones.


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