miércoles, 30 de enero de 2013
Spread Voicings (Acordes/Voces Esparcidas)
Este interesante concepto de armonización se utiliza particularmente en arreglo musical en los formatos para vientos, Big Band y solo piano.
Los acordes o voicings en Spread son estructuras acórdicas conformadas desde 3 hasta 6 ó 7 partes que contienen la raíz en la nota más baja, y cuyo registro puede abarcar desde una octava hasta 2 octavas y media o más. El objetivo de su utilización es:
1) Crear buen soporte armónico debajo del solista.
2) Armonizar melodías percutidas o sostenidas en bloque.
3) Crear cortes completos armonizados junto con la sección rítmica.
El primer tipo de construcción de Spreads al que nos referiremos es el que está conformado por 4 partes.
La primera parte corresponde a la melodía, ésta puede contener notas del acorde o tensiones. La segunda concierne al bajo de acuerdo a la tesitura y/o registro deseado, y corresponde a la raíz del acorde del momento. La tercera y cuarta parte la conforman los tonos guías (3 y 7 ó 3 y 6) del acorde respectivo, esto le brinda al Spread la fortaleza armónica necesaria para soportar notas del acorde, tonos guías y posibles tensiones que se encuentren en la melodía.
La idea general es crear Spreads que contengan buen soporte armónico y brinden color y dramatismo al ser interpretados cuando hay tensión o nota del acorde en melodía.
Un punto importante a tener en cuenta es el espaciamiento entre las voces. Como norma, entre la raíz y la segunda nota debe existir como máximo una 10ª de distancia. Entre cada una de las voces restantes los intervalos que normalmente se forman son las 4tas, 5tas y 3ras. La distancia máxima para no dejar “vacíos” entre las partes es de una 6ª mayor.
La partitura (clic aquí) y el video correspondiente complementan este concepto esencial en la construcción de Spreads voicings.
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jueves, 24 de enero de 2013
Todo esto sin el uso obsoleto, aburrido y mecánico de las escalas y los modos. Deja que Pablo te guíe -tan sólo en 3 pasos- con el mismo método que él utilizó en el aprendizaje de la improvisación, y que ha comprobado con éxito en decenas de sus estudiantes.
El primer paso te inicia en el manejo de la ornamentación melódica y rítmica, esencial en la interpretación de melodías. En el segundo paso avanzas en el aprendizaje y dominio de los arpegios de séptima y sus formaciones melódicas. Y el tercer paso fusiona los dos elementos anteriores junto con las técnicas de la imitación y el desarrollo motívico para que logres por fin construir frases con sentido, y crear un discurso musical completo.
Este método ha demostrado 100% su efectividad con los alumnos privados de Pablo Schlesinger, y en los talleres y seminarios dirigidos a docentes y profesionales de la música contemporánea en diferentes universidades en Colombia.
Con este método lograrás:
- Dominar las principales técnicas de ornamentación melódica y rítmica utilizadas en improvisación.
- Crear frases musicales con el uso de los arpegios de séptima y las formaciones melódicas más utilizadas por los profesionales.
- Evitar los errores comunes que un 98% de los alumnos comete al querer improvisar o al tratar de crear frases musicales con sentido completo.
-Completar tu discurso musical por medio de dos herramientas fundamentales: la imitación y el desarrollo motívico.
Incluye: Texto Guía, 16 videos, 2 bonos (Hoja Tensión-Sustitución y Voicings profesionales a 2 manos). Ver más
Con este curso tendrás a mano las explicaciones al teclado de los puntos fundamentales que todo músico debe conocer: el lenguaje universal de la música, la construcción de las triadas, los acordes de séptima, tensiones que reciben los acordes de séptima, construcción de modos, inversiones, intervalos, escalas mayores, escalas menores, pentatónicas y la formación de tetracordios, entre muchos otros temas.
Con este método lograrás:
- Dominar los conceptos claves en el lenguaje de la música contemporánea: extensiones del acorde de séptima, tensiones, cifrados, junto con todas las cualidades de acordes en pop y en el jazz.
- Tomar el control en la construcción de escalas, tetracordios y modos en la música contemporánea.
- Comprender finalmente la explicación completa del uso de las tensiones sobre los acordes de séptima y su formación dentro del modo.
- Descubrir todo el lenguaje universal de la música explicado en detalle y paso a paso: claves, simbología, triadas, acordes de séptima, inversiones, entre otros conceptos.
Incluye: Texto Guía, 18 videos, 1 bono (Libro de ejercicios para el curso de Armonía Contemporánea, Nivel I). Ver más.
Da un gran salto en tu aprendizaje con el recurso más original, revelador y creativo para el dominio de voicings, introducciones, corrección y sustitución armónica, entre muchos otros conceptos.
En cada uno de los Arreglos Nota a Nota Pablo Schlesinger revela al teclado los secretos detrás de los voicings, las técnicas, las ideas y conceptos que utilizan los profesionales tanto en arreglo como en la interpretación de piezas, standards y canciones de música contemporánea.
Un punto importante: los arreglos están listos para que los apliques en tu música y en tus propias interpretaciones.
Con “Arreglos Nota a Nota” lograrás:
-Crear las más increíbles y llamativas sonoridades de acuerdo a la melodía dada: armonización interválica, Spread voicings, Drops, entre otras técnicas explicadas en forma detallada.
- Entender y aplicar los voicings y armonizaciones de tus pianistas preferidos: Keith Jarret, Kenny Barron, Dave Mckenna, Jessica Williams.
-Descubrir las técnicas de acompañamiento más apasionantes y creativas. Cuatro en el compás (4 in a Bar), Stride, Tangana, Tangana stride, entre otras.
- Dominar la construcción y el enlace armónico sofisticado que utilizan los profesionales tanto en el arreglo pianístico como en otros formatos instrumentales.
Incluye: Texto Guía, 4-6 videos (según arreglo escogido), 2 bonos (Hoja tensión-sustitución, Introducción alterna). Ver más.
REM disponibles:
· Manual Completo del Bajo Caminante
· Secretos de los acordes Min7(b5)
· Manual Completo de Spread Voicings (acordes esparcidos)
Este recurso, utilizado por arreglistas, compositores y pianistas profesionales, te enseña la formación, utilización e interpretación de acordes con buen color armónico (Voicings). Ver más.
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jueves, 20 de diciembre de 2012
Cómo construir e interpretar Bajos Caminantes
Respondiendo a las inquietudes de varios suscriptores quiero compartir algunas ideas para iniciar con pie derecho la escritura e interpretación de caminantes no solo en el bajo, sino también en instrumentos armónicos como la guitarra y el piano.
El primer concepto fundamental es el registro. El registro del caminante por lo general está entre el C4 y el C2, y puede extenderse en algunos casos hasta el C1 según el instrumento que lo interprete. El concepto es crear buena línea melódica y piso armónico. Como norma, siempre se escribe una octava arriba de donde suena. Esto es importante, pues en el momento que el instrumentista lo lee el 90% de las notas del caminante se deben hallar dentro del pentagrama, en clave de Fa.
El segundo concepto fundamental es interpretar las raíces de los acordes en el primer tiempo. Esto nos brinda buen piso y correlación armónica con el acompañamiento que tengamos. En este punto se debe tener en cuenta que los caminantes se interpretan en articulación legato.
En cuanto a la construcción del caminante en blancas, cuando tenemos un ritmo armónico de redondas, lo fundamental es utilizar las notas del esqueleto armónico del cifrado o acorde correspondiente: 3,5,7 justo después de interpretar la raíz del acorde en primer tiempo.
Se pueden realizar diversas líneas de caminante siguiendo este concepto para crear buena línea melódica y uso del registro completo del bajo. De igual manera, el caminante en blancas con un ritmo armónico de redondas, puede ser ornamentado en tercer y cuarto tiempo con negras, para crear movimiento y creatividad de la línea melódica dentro de la armonía o cifrado correspondiente.
La partitura (clic aquí) y el video correspondiente complementan estos conceptos prácticos e interesantes para la construcción e interpretación de caminantes en blancas; un recurso esencial para el músico de hoy. Leer más…
viernes, 30 de noviembre de 2012
Cómo desarrollar destreza armónica en el Teclado
Una pregunta frecuente de los suscriptores es cómo adquirir habilidad o destreza armónica en el teclado. Hoy comparto algunas ideas para lograr desarrollar esta habilidad por medio de dos ejercicios fundamentales que habitualmente todo músico contemporáneo realiza.
1. El Círculo de 5tas
El primer ejercicio se basa en pensar e interpretar solamente un aspecto de la armonía contemporánea, por ejemplo acordes mayores Maj7, triadas, intervalos, voicings, etc, pasando cada uno por el círculo de 5tas o 4tas ascendentes con una cualidad determinada por las 12 tonalidades (solamente acordes Maj7, o solamente triadas aumentadas, por ejemplo).
Este ejercicio es fundamental, pues nos exige pensar en la estructura y en la formación de un elemento armónico predeterminado en varias tonalidades, y no como de forma errónea se ejercita que es pensando varias cualidades de un mismo acorde ( Maj7, Min7, etc), sobre una tonalidad solamente.
Un beneficio extra de este ejercicio es el estudio de movimientos armónicos muy comunes (4tas y 5tas) dentro del ámbito de las progresiones en la música contemporánea, y además se crean buenos hábitos de digitación logrando que la mano mire siempre recta hacia el teclado.
2. Tonalidades aleatorias
Este ejercicio, similar al primero, lo considero esencial porque prepara al músico para lograr pensar o interpretar cualquier tipo de formación armónica en el teclado sin tener en mente un patrón armónico o familiar como en el ejercicio anterior. Lo interesante de este ejercicio es que con sólo practicarlo un par de veces se logra
automatizar el pensamiento armónico sobre las 12 tonalidades. Es ideal para instrumentistas armónicos que deben interpretar rápidamente acordes o acompañar en tiempo leyendo cifrado a primera vista.
Para realizar cualquiera de estos dos ejercicios, escojo el registro medio del teclado e interpreto con las dos manos que se mueven en paralelo. Un punto esencial por medio de la práctica, es lograr visualizar un teclado en la mente para formar cualquier estructura armónica. Otro gran beneficio es adquirir la misma destreza física en las dos manos (pianistas o guitarristas); fundamental en la práctica musical y el ejercicio profesional.
La partitura (clic aquí) y el video correspondiente complementan estos ejercicios fundamentales para la adquisición de esta destreza como parte de tu desarrollo musical.
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miércoles, 5 de septiembre de 2012
Tensiones que reciben los Acordes de Séptima
Respondiendo a las inquietudes de varios suscriptores, hoy comparto algunas ideas para iniciar con pie derecho el uso de tensiones sobre los acordes de séptima. Un tema esencial en el estudio de la Armonía Contemporánea.
El primer aspecto fundamental es conocer la forma de derivar tensiones a partir de un modo. Recomiendo entonces iniciar revisando las lecciones sobre construcción de modos, partes 1, 2, 3 y 4, publicados hace un tiempo en el blog. Clic aquí.
Como norma general, todos los acordes de séptima pueden recibir tensión. Existen dos tipos de tensiones: Diatónicas y No diatónicas. Las primeras están correlacionadas directamente con la tonalidad en que se encuentra la pieza musical, como por ejemplo en la tonalidad de C (Do) Mayor, la tensión 9 (Re) es diatónica a la tonalidad, ya que pertenece a la escala y armadura de C Mayor. Ahora bien, si la tensión no pertenece a la escala o armadura del momento, o de la pieza musical, se denomina Tensión no diatónica
Existen 4 tensiones que pueden recibir los acordes de séptima: Tensiones 9, Tensiones 13, Tensión 11 y Tensión #11. Sin embargo, de acuerdo a la cualidad y modo que recibe cada acorde de séptima, este tendrá tensiones “únicas” o propias de esa cualidad específica.
Por ejemplo, los acordes Maj7 podrán recibir la tensión 9 y la tensión 13, el dominante real o principal de la tonalidad podrá recibir tensión 9 y 13, los acordes menores en general podrán recibir la tensión 9 y la tensión 11.
Como tensiones no diatónicas comunes se encuentran la tensión #11 en los acordes Maj7 y Dominantes cuando esta tensión se encuentra en melodía, las tensiones b9 y b13 podrán ser utilizadas en acordes dominantes únicamente.
La partitura (clic aquí) y el video correspondiente añaden y complementan este concepto práctico e interesante en el uso de tensiones sobre los acordes de séptima.
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lunes, 16 de julio de 2012
Armonía Contemporánea -Parte 2- Formación de Tetracordios
Continuando con el tema de las escalas, quiero compartir una idea muy interesante que utilizan en particular los cantantes y los estudiantes de entrenamiento auditivo en música contemporánea. Se trata de la construcción de las escalas a partir de la formación de Tetracordios.
El Tetracordio es una formación escalar de cuatro notas. Se usa para crear líneas melódicas que contengan un carácter y un contorno melódico particular. En el ámbito de la improvisación cromática, los tetracordios forman contornos angulares y cromáticos, sonoridad distintiva del jazz contemporáneo.
De otra parte, en el ámbito armónico-académico, los Tetracordios son utilizados como una metodología práctica en la formación de las escalas occidentales. El concepto general, es concebir cada tetracordio como una “parte o porción” de la escala que conocemos de siete notas, la cual se encuentra dividida exactamente en 2 secciones, cada una de 4 notas, incluyendo la raíz octava arriba.
Estas 4 notas forman un tipo de Tetracordio, que de acuerdo con su formación de tonos y semitonos se conocen académicamente como tipos de tetracordios mayores, menores, mayores con b2, menores con b2, etc.
La partitura (click aquí) y el video correspondiente complementan este concepto práctico e interesante en la construcción de escalas occidentales; un punto esencial en el estudio de la Armonía Contemporánea.
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jueves, 19 de abril de 2012
Armonía Contemporánea -Parte 1- Modos: la forma práctica de construirlos
Aún después de terminar mis estudios en música contemporánea seguía trabajando la formación de los modos de la manera “tradicional”, es decir pensando siempre que estaban correlacionados con una escala mayor.
En este proceso, tenía que realizar el ejercicio analítico y dispendioso de relacionar a qué escala o armadura pertenecía, y siempre me quedaban dudas si el proceso era confiable.
Afortunadamente años después comprendí una manera práctica y natural de construirlos y hoy la comparto contigo.
Los modos pueden ser construidos fácilmente teniendo como guía la estructura de una escala mayor para los modos mayores, o la estructura de una escala menor para los modos menores, e iniciando desde una misma nota, lo cual se denomina -modos en paralelo-.
En la partitura (click aquí) y el video podrás aclarar esa duda que tuve en algún momento y que se presenta de forma recurrente en el aprendizaje de la Armonía Contemporánea.
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